{"id":12988,"date":"2026-04-04T06:39:00","date_gmt":"2026-04-04T10:39:00","guid":{"rendered":"https:\/\/ermdigital.com\/index.php\/2026\/04\/04\/semana-santa-en-siete-pinturas\/"},"modified":"2026-04-04T06:39:00","modified_gmt":"2026-04-04T10:39:00","slug":"semana-santa-en-siete-pinturas","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/ermdigital.com\/?p=12988","title":{"rendered":"Semana Santa en siete pinturas"},"content":{"rendered":"

Estas etapas de la Pasi\u00f3n de Cristo<\/strong> han ofrecido a lo largo de la historia del arte<\/strong> un rico repertorio simb\u00f3lico<\/strong> y narrativo capaz de transmitir los conceptos de fe, moral y poder, inaccesibles de otro modo para la poblaci\u00f3n.<\/p>\n

A lo largo de la historia los artistas tradujeron<\/strong> la emoci\u00f3n de los Evangelios<\/strong>, la fuerza del sacrificio y la tensi\u00f3n dram\u00e1tica<\/strong> de estos episodios en im\u00e1genes comprensibles para todos.<\/p>\n

Entre los siglos XIII y XVIII<\/strong>, el arte sacro<\/strong> no solo acompa\u00f1\u00f3 la fe sino que la estructur\u00f3 y la difundi\u00f3 con una eficacia que ning\u00fan otro medio pod\u00eda igualar. <\/p>\n

En ese contexto, la imagen<\/strong> asumi\u00f3 un papel conceptual y pedag\u00f3gico decisivo: en una sociedad donde la palabra escrita estaba reservada a unos pocos, las representaciones visuales ense\u00f1aban, explicaban y fijaban en la memoria colectiva<\/strong> los momentos esenciales de la fe cristiana.\u00a0<\/p>\n

1. La coronaci\u00f3n de espinas<\/strong> (1603) en el Museo de Historia del Arte<\/strong> de Viena<\/h2>\n
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\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/coronacion-fd854884.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

Es uno de los dos cuadros que Caravaggio<\/strong> ejecut\u00f3 sobre el tema y uno de los m\u00e1s elegantes<\/strong> del pintor lombardo. <\/p>\n

Caravaggio<\/strong> utiliz\u00f3 como modelo a un hombre joven pero maduro, alej\u00e1ndose de los sensuales j\u00f3venes de su primera \u00e9poca<\/strong>. <\/p>\n

La escena de tortura<\/strong> destaca por la fort\u00edsima impresi\u00f3n que provocan los soldados agresivos<\/strong>, distribuci\u00f3n que caracteriza otros cuadros del pintor. As\u00ed, la escena de tortura<\/strong> y violencia resulta desagradable, ante la visi\u00f3n del cuerpo masculino<\/strong>, resaltado por la luz<\/strong>, frente a los burdos rostros y los gestos de sus verdugos.\u00a0<\/p>\n

2. Cristo con la cruz<\/strong> a cuestas, una de las dos versiones de Tiziano<\/strong> conservadas en el Museo del Prado<\/strong> (1565-1570)<\/h2>\n
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\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-6693d44d.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

Fue pintada al final de su vida<\/strong>, cuando el maestro veneciano hab\u00eda liberado definitivamente la pincelada y hab\u00eda intensificado el cromatismo. <\/p>\n

Un primer\u00edsimo primer plano<\/strong> \u2014inusual en su pintura\u2014 acerca el sufrimiento de Jes\u00fas<\/strong> al espectador: un hombre profundamente humano, no ajeno al dolor, que gira el rostro, conteniendo el sufrimiento para clavarnos una mirada que pese a punto de quebrarse, nos lo dice todo.<\/p>\n

La diagonal que traza la cruz, apoyada sobre la espalda de Cristo, organiza la composici\u00f3n<\/strong> y acent\u00faa la tensi\u00f3n dram\u00e1tica<\/strong>. Frente a la austeridad narrativa de una primera versi\u00f3n \u2014tambi\u00e9n en el Prado\u2014, \u00e9sta gana en intensidad crom\u00e1tica<\/strong>, en luz<\/strong>, frescura y dinamismo. En ella, la pintura respira modernidad<\/strong> por todos sus poros.<\/p>\n

3. La Crucifixi\u00f3n<\/strong> que pint\u00f3 Vel\u00e1zquez<\/strong> (1632<\/strong>)<\/h2>\n
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\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-2-7f6f821a.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

Capta ese instante exacto de la muerte, despojado de paisaje y de cualquier referencia temporal. El cuerpo sereno, sin marcas visibles de dolor, clavado con cuatro clavos<\/strong> seg\u00fan la f\u00f3rmula defendida por su maestro \u2014y suegro\u2014 Francisco Pacheco, emerge sobre un fondo oscuro<\/strong>. <\/p>\n

La ausencia de sangre<\/strong> y la musculatura en reposo contienen el sufrimiento y lo subliman en una serenidad<\/strong> que conmueve m\u00e1s que cualquier dramatismo barroco. Un leve halo ilumina<\/strong> la figura, reforzando la idea de Cristo como luz<\/strong> que se impone sobre la tiniebla. <\/p>\n

La perfecci\u00f3n apol\u00ednea de la anatom\u00eda, su palidez<\/strong> y su recogimiento absoluto transmiten paz<\/strong>: m\u00e1s que un Cristo muerto<\/strong>, parece meditar, descansar, estar en armon\u00eda con su destino.<\/p>\n

El titulus<\/strong> sobre la cruz, con el curioso error Nazaraenvus<\/strong>, a\u00f1ade un matiz humano<\/strong> y casi anecd\u00f3tico a la obra.<\/p>\n

La pureza de esa anatom\u00eda luminosa se convierte as\u00ed en un \u201cespejo del sol de vida, del que nunca muere\u201d, en palabras de Miguel de Unamuno<\/strong>, y consolida a Diego Vel\u00e1zquez<\/strong> como un maestro capaz de reconciliar sufrimiento y belleza<\/strong> en un instante suspendido entre lo humano y lo divino.<\/p>\n

4. El Descendimiento de la cruz<\/strong><\/h2>\n
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\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-3-b42becff.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

alcanza una intensidad casi escult\u00f3rica en la obra realizada por Rogier van der Weyden<\/strong> hacia 1435<\/strong>. Concebida como la tabla central de un tr\u00edptico<\/strong> cuyos laterales no se conservan, re\u00fane diez figuras<\/strong> de gran tama\u00f1o que parecen formar un grupo tallado. Cristo, de cuerpo p\u00e1lido, es sostenido por Jos\u00e9 de Arimatea<\/strong> y Nicodemo<\/strong>.<\/p>\n

No se aprecian las huellas de la flagelaci\u00f3n, pero la escena est\u00e1 a punto de derrumbarse emocionalmente: el cuerpo de la Virgen, desvanecido, reproduce en paralelo la misma curva del cuerpo<\/strong> de su hijo. La cruz ocupa el centro exacto de la composici\u00f3n<\/strong>.<\/p>\n

La fidelidad anat\u00f3mica queda subordinada a la elegancia lineal y al minucioso preciosismo flamenco<\/strong>. Ejecutada para una capilla de Lovaina<\/strong>, la obra fue adquirida en 1549 por Mar\u00eda de Hungr\u00eda, hermana de Carlos V, y trasladada posteriormente a Monasterio de El Escorial, antes de ingresar en las colecciones del Museo del Prado<\/strong>.<\/p>\n

5. El Cristo muerto<\/strong> de Andrea Mantegna<\/strong> (1480-1490)<\/h2>\n
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\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-4-1ab29a5e.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

conservado en la Pinacoteca de Brera<\/strong> de Mil\u00e1n es una de las im\u00e1genes m\u00e1s estremecedoras del Renacimiento<\/strong> italiano. Jes\u00fas yace sobre una losa de m\u00e1rmol. La cabeza, ligeramente ladeada, descansa inm\u00f3vil sobre un almohad\u00f3n; el rostro conserva una gran gravedad<\/strong>. <\/p>\n

Pero es el cuerpo, dispuesto perpendicular al plano, colocado en escorzo, uno de los m\u00e1s arrebatados, que provoca la conmoci\u00f3n<\/strong> al espectador, y parece lanzar la figura hacia el espectador con una perspectiva extrema<\/strong>. <\/p>\n

La blanca palidez<\/strong> del cad\u00e1ver, de cintura hacia arriba, el cuerpo desnudo<\/strong>; de la cintura hacia abajo cubierto por una s\u00e1bana<\/strong> cuyos pliegues minuciosos intensifican la sensaci\u00f3n de realidad<\/strong>.\u00a0<\/p>\n

La escena no tiene un fundamento b\u00edblico directo: es una recreaci\u00f3n<\/strong> del pintor ya que los Evangelios relatan que el cuerpo fue entregado a Jos\u00e9 de Arimatea<\/strong>, miembro del tribunal supremo jud\u00edo. <\/p>\n

En cualquier caso, la obra es toda una exposici\u00f3n descarnada de la humanidad de Cristo<\/strong>, tema frecuente en el Renacimiento<\/strong>, pero nunca hasta entonces se hab\u00eda mostrado con tal evidencia el car\u00e1cter irrevocable de la muerte. No hay simbolismo, ni ret\u00f3rica devocional, solo un hombre muerto.<\/p>\n

6. El Santo Entierro<\/strong> de Caravaggio<\/strong> (1602-1604)<\/h2>\n
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\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-5-716e5c2f.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

conservado en los Museos Vaticanos<\/strong>. San Juan<\/strong> y Nicodemo<\/strong> sostienen el cuerpo inerte en una composici\u00f3n<\/strong> a base de escorzos violentos. El sepulcro, situado en primer plano, coloca al espectador a un nivel inferior, aumentando la sensaci\u00f3n de monumentalidad.<\/p>\n

El tenebrismo<\/strong> es evidente, donde el cuerpo desnudo<\/strong> de Cristo se convierte en foco lum\u00ednico<\/strong>. La carne blanda del brazo cae con el peso de la muerte, sin rastro visible de divinidad. <\/p>\n

El exagerado realismo de los personajes \u2014demasiado rudo para algunos sectores de la curia romana<\/strong>\u2014 provoc\u00f3 cr\u00edticas<\/strong> por su crudeza. Caravaggio<\/strong> no representa la Sepultura ni el Descendimiento de manera tradicional: <\/p>\n

Cristo no es mostrado mientras es bajado a la tumba, sino cuando, en presencia de mujeres devotas, es colocado por Nicodemo<\/strong> y Juan sobre la Piedra de la Unci\u00f3n<\/strong>, es decir, la l\u00e1pida con la que se cerrar\u00e1 el sepulcro, generando una alt\u00edsima tensi\u00f3n dram\u00e1tica<\/strong>.<\/p>\n

7. La Resurrecci\u00f3n<\/strong>, piedra angular de la Semana Santa<\/strong> y de la fe cat\u00f3lica<\/h2>\n
\n
\"Expandirhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-6-7f8bbd14.jpeg<\/span><\/div>\n

\"Infograf\u00eda\"<\/figure>\n

Elegimos la de El Greco<\/strong> (1597\u20131600<\/strong>), el artista que pintaba \"para hacer visible lo invisible\".\u00a0<\/p>\n

Jes\u00fas se eleva glorioso pero muy sereno sobre los soldados que lo observan, tan asombrados como temerosos, ante lo que est\u00e1n viendo, tal y como relata el Evangelio de San Mateo<\/strong>: los guardias quedaron paralizados ante la aparici\u00f3n del \u00e1ngel. <\/p>\n

Siguiendo las pautas de la Contrarreforma<\/strong>, se elimina el sepulcro y cualquier referencia a la tumba: la obra no se centra en el vac\u00edo del lugar, sino en la gloria de Cristo<\/strong>, subrayando su triunfo sobre la muerte y lo divino del suceso.<\/p>\n

Esta pintura condensa el sentido \u00faltimo<\/strong> de la Pasi\u00f3n: la muerte vencida<\/strong>, la fe y la esperanza renovada. El Greco<\/strong> plasma la escena con un repertorio de gestos que traducen los distintos grados de percepci\u00f3n de lo divino: luz<\/strong> que deslumbra, misterio que asombra, alegr\u00eda que se recibe con entusiasmo. <\/p>\n

Su manejo del espacio estrecho<\/strong> y alargado es magistral: los soldados se api\u00f1an en un caos contenido pero donde el resultado es una especie de \u00e9xtasis de energ\u00eda<\/strong> y fuerza expresiva<\/strong>, donde luz<\/strong>, forma y composici\u00f3n<\/strong> proyectan lo sublime del suceso.\u00a0<\/p>\n

(Texto<\/strong>: Amalia Gonz\u00e1lez Manjavacas<\/strong>)<\/em><\/p>\n

Te puede interesar<\/strong><\/span> <\/p>\n

Una visita cultural y de fe te espera si te quedas en la ciudad en Semana Santa<\/a><\/h2>\n<\/article>\n

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\u200bEstas etapas de la Pasi\u00f3n de Cristo han ofrecido a lo largo de la historia del arte un rico repertorio simb\u00f3lico y narrativo capaz de transmitir los conceptos de fe, moral y poder, inaccesibles de otro modo para la poblaci\u00f3n. A lo largo de la historia los artistas tradujeron la emoci\u00f3n de los Evangelios, la fuerza del sacrificio y la tensi\u00f3n dram\u00e1tica de estos episodios en im\u00e1genes comprensibles para todos.Entre los siglos XIII y XVIII, el arte sacro no solo acompa\u00f1\u00f3 la fe sino que la estructur\u00f3 y la difundi\u00f3 con una eficacia que ning\u00fan otro medio pod\u00eda igualar. En ese contexto, la imagen asumi\u00f3 un papel conceptual y pedag\u00f3gico decisivo: en una sociedad donde la palabra escrita estaba reservada a unos pocos, las representaciones visuales ense\u00f1aban, explicaban y fijaban en la memoria colectiva los momentos esenciales de la fe cristiana.\u00a01. La coronaci\u00f3n de espinas (1603) en el Museo de Historia del Arte de Vienahttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/coronacion-fd854884.jpegEs uno de los dos cuadros que Caravaggio ejecut\u00f3 sobre el tema y uno de los m\u00e1s elegantes del pintor lombardo. Caravaggio utiliz\u00f3 como modelo a un hombre joven pero maduro, alej\u00e1ndose de los sensuales j\u00f3venes de su primera \u00e9poca. La escena de tortura destaca por la fort\u00edsima impresi\u00f3n que provocan los soldados agresivos, distribuci\u00f3n que caracteriza otros cuadros del pintor. As\u00ed, la escena de tortura y violencia resulta desagradable, ante la visi\u00f3n del cuerpo masculino, resaltado por la luz, frente a los burdos rostros y los gestos de sus verdugos.\u00a02. Cristo con la cruz a cuestas, una de las dos versiones de Tiziano conservadas en el Museo del Prado (1565-1570)https:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-6693d44d.jpegFue pintada al final de su vida, cuando el maestro veneciano hab\u00eda liberado definitivamente la pincelada y hab\u00eda intensificado el cromatismo. Un primer\u00edsimo primer plano \u2014inusual en su pintura\u2014 acerca el sufrimiento de Jes\u00fas al espectador: un hombre profundamente humano, no ajeno al dolor, que gira el rostro, conteniendo el sufrimiento para clavarnos una mirada que pese a punto de quebrarse, nos lo dice todo.La diagonal que traza la cruz, apoyada sobre la espalda de Cristo, organiza la composici\u00f3n y acent\u00faa la tensi\u00f3n dram\u00e1tica. Frente a la austeridad narrativa de una primera versi\u00f3n \u2014tambi\u00e9n en el Prado\u2014, \u00e9sta gana en intensidad crom\u00e1tica, en luz, frescura y dinamismo. En ella, la pintura respira modernidad por todos sus poros.3. La Crucifixi\u00f3n que pint\u00f3 Vel\u00e1zquez (1632)https:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-2-7f6f821a.jpegCapta ese instante exacto de la muerte, despojado de paisaje y de cualquier referencia temporal. El cuerpo sereno, sin marcas visibles de dolor, clavado con cuatro clavos seg\u00fan la f\u00f3rmula defendida por su maestro \u2014y suegro\u2014 Francisco Pacheco, emerge sobre un fondo oscuro. La ausencia de sangre y la musculatura en reposo contienen el sufrimiento y lo subliman en una serenidad que conmueve m\u00e1s que cualquier dramatismo barroco. Un leve halo ilumina la figura, reforzando la idea de Cristo como luz que se impone sobre la tiniebla. La perfecci\u00f3n apol\u00ednea de la anatom\u00eda, su palidez y su recogimiento absoluto transmiten paz: m\u00e1s que un Cristo muerto, parece meditar, descansar, estar en armon\u00eda con su destino.El titulus sobre la cruz, con el curioso error Nazaraenvus, a\u00f1ade un matiz humano y casi anecd\u00f3tico a la obra. La pureza de esa anatom\u00eda luminosa se convierte as\u00ed en un \u201cespejo del sol de vida, del que nunca muere\u201d, en palabras de Miguel de Unamuno, y consolida a Diego Vel\u00e1zquez como un maestro capaz de reconciliar sufrimiento y belleza en un instante suspendido entre lo humano y lo divino.4. El Descendimiento de la cruzhttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-3-b42becff.jpegalcanza una intensidad casi escult\u00f3rica en la obra realizada por Rogier van der Weyden hacia 1435. Concebida como la tabla central de un tr\u00edptico cuyos laterales no se conservan, re\u00fane diez figuras de gran tama\u00f1o que parecen formar un grupo tallado. Cristo, de cuerpo p\u00e1lido, es sostenido por Jos\u00e9 de Arimatea y Nicodemo. No se aprecian las huellas de la flagelaci\u00f3n, pero la escena est\u00e1 a punto de derrumbarse emocionalmente: el cuerpo de la Virgen, desvanecido, reproduce en paralelo la misma curva del cuerpo de su hijo. La cruz ocupa el centro exacto de la composici\u00f3n.La fidelidad anat\u00f3mica queda subordinada a la elegancia lineal y al minucioso preciosismo flamenco. Ejecutada para una capilla de Lovaina, la obra fue adquirida en 1549 por Mar\u00eda de Hungr\u00eda, hermana de Carlos V, y trasladada posteriormente a Monasterio de El Escorial, antes de ingresar en las colecciones del Museo del Prado.5. El Cristo muerto de Andrea Mantegna (1480-1490)https:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-4-1ab29a5e.jpeg conservado en la Pinacoteca de Brera de Mil\u00e1n es una de las im\u00e1genes m\u00e1s estremecedoras del Renacimiento italiano. Jes\u00fas yace sobre una losa de m\u00e1rmol. La cabeza, ligeramente ladeada, descansa inm\u00f3vil sobre un almohad\u00f3n; el rostro conserva una gran gravedad. Pero es el cuerpo, dispuesto perpendicular al plano, colocado en escorzo, uno de los m\u00e1s arrebatados, que provoca la conmoci\u00f3n al espectador, y parece lanzar la figura hacia el espectador con una perspectiva extrema. La blanca palidez del cad\u00e1ver, de cintura hacia arriba, el cuerpo desnudo; de la cintura hacia abajo cubierto por una s\u00e1bana cuyos pliegues minuciosos intensifican la sensaci\u00f3n de realidad.\u00a0La escena no tiene un fundamento b\u00edblico directo: es una recreaci\u00f3n del pintor ya que los Evangelios relatan que el cuerpo fue entregado a Jos\u00e9 de Arimatea, miembro del tribunal supremo jud\u00edo. En cualquier caso, la obra es toda una exposici\u00f3n descarnada de la humanidad de Cristo, tema frecuente en el Renacimiento, pero nunca hasta entonces se hab\u00eda mostrado con tal evidencia el car\u00e1cter irrevocable de la muerte. No hay simbolismo, ni ret\u00f3rica devocional, solo un hombre muerto.6. El Santo Entierro de Caravaggio (1602-1604)https:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-5-716e5c2f.jpegconservado en los Museos Vaticanos. San Juan y Nicodemo sostienen el cuerpo inerte en una composici\u00f3n a base de escorzos violentos. El sepulcro, situado en primer plano, coloca al espectador a un nivel inferior, aumentando la sensaci\u00f3n de monumentalidad.El tenebrismo es evidente, donde el cuerpo desnudo de Cristo se convierte en foco lum\u00ednico. La carne blanda del brazo cae con el peso de la muerte, sin rastro visible de divinidad. El exagerado realismo de los personajes \u2014demasiado rudo para algunos sectores de la curia romana\u2014 provoc\u00f3 cr\u00edticas por su crudeza. Caravaggio no representa la Sepultura ni el Descendimiento de manera tradicional: Cristo no es mostrado mientras es bajado a la tumba, sino cuando, en presencia de mujeres devotas, es colocado por Nicodemo y Juan sobre la Piedra de la Unci\u00f3n, es decir, la l\u00e1pida con la que se cerrar\u00e1 el sepulcro, generando una alt\u00edsima tensi\u00f3n dram\u00e1tica.7. La Resurrecci\u00f3n, piedra angular de la Semana Santa y de la fe cat\u00f3licahttps:\/\/resources.diariolibre.com\/images\/2026\/04\/04\/obra-6-7f8bbd14.jpegElegimos la de El Greco (1597\u20131600), el artista que pintaba \"para hacer visible lo invisible\".\u00a0Jes\u00fas se eleva glorioso pero muy sereno sobre los soldados que lo observan, tan asombrados como temerosos, ante lo que est\u00e1n viendo, tal y como relata el Evangelio de San Mateo: los guardias quedaron paralizados ante la aparici\u00f3n del \u00e1ngel. Siguiendo las pautas de la Contrarreforma, se elimina el sepulcro y cualquier referencia a la tumba: la obra no se centra en el vac\u00edo del lugar, sino en la gloria de Cristo, subrayando su triunfo sobre la muerte y lo divino del suceso.Esta pintura condensa el sentido \u00faltimo de la Pasi\u00f3n: la muerte vencida, la fe y la esperanza renovada. El Greco plasma la escena con un repertorio de gestos que traducen los distintos grados de percepci\u00f3n de lo divino: luz que deslumbra, misterio que asombra, alegr\u00eda que se recibe con entusiasmo. Su manejo del espacio estrecho y alargado es magistral: los soldados se api\u00f1an en un caos contenido pero donde el resultado es una especie de \u00e9xtasis de energ\u00eda y fuerza expresiva, donde luz, forma y composici\u00f3n proyectan lo sublime del suceso.\u00a0(Texto: Amalia Gonz\u00e1lez Manjavacas) Te puede interesar Una visita cultural y de fe te espera si te quedas en la ciudad en Semana Santa\u00a0\u00a0Revista, Cultura, EFE, Madrid, Arte, Semana Santa, obras\u00a0<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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